成本450万美金，上映16天便轻松过亿，新晋导演乔丹·皮尔的处女作《逃出绝命镇》在赢得票房的同时，也不乏口碑的加冕，作为一位黑人导演，他可谓用一部小成本恐怖片成为2017年度真正的“黑马”。
小成本恐怖片在美国可谓泛滥，所用的伎俩也不过“恐怖小屋”、“血浆”、“科学变异”等惊悚元素，而《逃出绝命镇》算是把这些元素通通叠加，情节逆转上借用了《万能钥匙》的“灵魂替代”；故事格局上用了《林中小屋》；恐怖主体上则是朴赞郁的《斯托克》。
但是如果仅仅是常见的美式恐怖片因素的加总，想必本片也不至于引起如此的波澜，之所以能让影院的观众抱之青睐，片中无处不在的“种族”因素则不可忽略。从影片序幕中黑人在街道上被意外打昏绑架，就明确地传达出一个信号：“黑人是弱者”。
电影讲述的是一位黑人摄影师，和他的白人女朋友拜访女友的父母，期间深陷危险，最后逃出升天，这一故事模式我们相当熟悉，是一个“入险—历险—脱险”的故事。和一般美国电影中呈现的黑人形象不同，在片子中，黑人成为了一个弱者，而不是充满暴力色彩的街头混混，男主角作为有着心灵创伤的摄影师，不仅在种族身份上相当敏感，在亲情回忆中也不乏痛楚，这种立体式的人物在之前的美式恐怖片中相当少见。
本片在“种族”这一主题的营造上是不遗余力的，开车途中，警察刻意查看男主角的身份证；到女友家中，见到的是“白主人，黑仆人”的模式；女友父亲讲述其父的运动员生涯，以及希特勒的种族观念；直至一大堆白人故友来访，只有男主角和一个黑人客人，而这些，让这部惊悚片始终环绕在浓厚的“种族敌意”中。
当最终的谜题揭开：女友家族专门诱捕黑人，作为转移白人意识的“身体寄托所”，从而实现女主角祖父的理念——“凝结”，其意就是让人的意识永远存在，可以换身体，但是不能舍灵魂，这一构思和2005年的《万能钥匙》如出一辙，只是《万能钥匙》用的是巫术，而本片用的是科学手段。
但是有一个问题在此就不得不提了：为什么这个“身体寄托所”只用黑人，不用其他人种呢？在男主角和一众白人的聊天中，我们不难听到理由：“黝黑的皮肤最流行”、“黑人最性感”“身体强壮”等等。表面上，这是对于黑人肉体的一种赞美，实际上却是一种变相的歧视，潜台词则是：“黑人的肉体固然优秀，但是我们白人的大脑和意识才是最重要的”。
“转移意识”，本片中用科学的手段实现这一过程，然而，在中国传统的神秘文化中，这就叫做“鬼上身”。
让一个外来者闯入自己的意识，从而操纵自己的行为，变成一个傀儡，不仅失去了自我的掌控权，而且被囚禁在漫无边际的意识囚牢中，这种无助感和恐惧，来自于黑人数百年来的种族心理。
从15世纪开始，到18世纪结束，长达300年的“黑奴贸易”构成了黑人不可不提的种族伤痛。在美国，虽然自1862年林肯颁布《解放黑人奴隶宣言》之后，这一制度已被废除，但，美国长期氤氲着的“种族”高压并没有彻底消失。非裔美国人，这一身份，最起码有着这样几重文化因素 ：在历史上他们是被“外来者”贩卖到“外来地”，在美洲这个“外来地”，他们自己也成了“外来者”，而在美国的社会中，黑人成为了相对于白人的“他者”。所谓的“种族电影”躲不开这样的种族心理。
《逃出绝命镇》中最为惊艳的桥段，除了男主角陷入“意识深坑”的场景表现，另一个便是他在白人派对的遭遇了。有趣地是，男主角并不是直接用眼睛观察派对上的白人，而是用摄影机来作为取景的媒介，这一设计无疑具有两点用意：男主此时的心理隔阂，所以不敢直视；另一个则是黑人在这一白人场所中的次级身份，他不享有平等的“互相审视”，只具备“凝视”和“被凝视”的身份。
众多黑人视角和黑人心理的安排，是本片最大的意义，而对于电影院的观众来说，这样的情节设计也不无“讨巧”之嫌。一方面，白人作为社会话语的控制者，具有处理黑人肉身的权利；另一方面，则是黑人肉身的被夸大而产生的“自恋”情结，同时，片中的“被迫害”无疑也迎合了众多美国黑人观众的伤痕心理。
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