向日葵是荷兰画家文森特·梵高两个静物系列。最早的系列是1887年的巴黎版本，桌上前景中放着两朵向日葵；然而第二幅作品于一年后在法国的阿尔勒完成，这次花朵们插在了花瓶里。在梵高的头脑里，这两个作品都与他的朋友保罗·高更有关系，他有两幅巴黎版本的向日葵画。八个月之后，梵高想再次向高更展示他的向日葵。他将已经完成的作品装饰在黄色的小房子里给高更准备的卧室中。高更离开后，梵高想向日葵放置于《罗兰夫人的肖像》的两侧，最终他在布鲁塞尔的展览上实现了这一想法。
在画廊里流传的很多艺术作品都和艺术家、艺术家的技艺同名。没有什么比梵高和向日葵更贴切的例子了。这些作品不仅把艺术家的声望和画作的精神寓意联系起来，而且还对艺术圈的发展产生了很深远的影响。梵高的向日葵被很多画家复制，不过从来没人画的像梵高那样生动、热烈。向日葵的复制品也在各处展出，从家中到艺术展览会。
当注视这些画作时，一个人可能会注意到角度的转换。这些生动的颜色表现了向日葵不同的状态：明亮的黄色表现出向日葵盛开的状态，而黯淡的棕色则表示它的枯萎。也许这正是绘画里的技巧是画家想要展现的。画家通过各个角度展现了一朵花的整个生命。
这一系列的画作很多，他们只是镜像上的不同。
虽然梵高的向日葵在很多方面都非常相似，但每一幅作品都有其自身的艺术价值和地位。梵高是在离开荷兰到法国追求创造自己的艺术社区（类似今天的创意产业园）的梦时，开始画向日葵的。第一幅作品是画给他的朋友高更做卧室的装饰品的。大部分在花瓶中的向日葵是在阿尔勒画的。在1887年左右，梵高在法国巴黎也画过一些向日葵。
“根据英国BBC频道报道：这一系列的画作很可能归功于19世纪颜料的大量生产。没有新颜色的出现，比如铬黄色，梵高就不能够将向日葵的生命表现得那么生动了”。
不管怎样，梵高的画作改变了人们对艺术和生命的看法。这些画作深深地吸引着你，让你对它简洁的美感感到震惊。流动的枯萎的感和蓬勃的可爱的黄色吸引着你的注意力，而这两种颜色又完美地融合成一体。这些画作经常被模仿，但从没有人能够超越。
人们对于梵高和弟弟提奥·梵高1886-1888这两年在巴黎的生活知之甚少。人们真正知道梵高画向日葵是在1890年，高更将一幅阿尔勒时期的画作拿出来做交换。梵高失落地回复高更，他觉得高更完全没有资格这么要求。“我对我的向日葵的保留一直存在疑问。他有我的两幅画，让他拿着吧。如果他对和我交换的画不满意，他可以要回他的画。他也能要回他在布列塔尼给我的自画像。同时，我也会要回我给他的自画像和他带到巴黎去的那两幅向日葵的画作。如果他还谈起这件事，我已经把所有实情告诉你了。”
没人能比梵高自己更清楚这一系列的画作：第一版本在尺寸上有差异，它画在20寸的油画布上，不是15寸的。
第二版比第一版放大不少，这次有两朵花放在桌前，在中心往右的位置。第三版和第四版不是12朵和14朵，而是15朵。这种变化来自于梵高使用了湿画法，这也是辨别梵高作品真伪的一种方法。虽然1889年的那版有非常多的复制品，但在这方面，人们找不到更好的辨别线索了。
两幅第四版的作品早已不是原来的状态了。在阿姆斯特丹那版中，画的顶部加了一条胶带，这可能是梵高自己干的。在东京的那版中，画布的所有尺寸都扩大了。应该是之后加上的，有可能是第一个拥有者，Emile Schuffenecker 。这一系列可能是他最出名的画作，也是被复制最多的。近年来，关于该幅作品的真实性有着很大的争议。而且处处显示这幅作品很可能是Emile Schuffenecher或者高更的作品。但大部分专家认为，这幅作品是梵高的真迹。
1889年1月，当梵高刚刚结束摇篮曲和向日葵的复制，他告诉他的弟弟提奥：我重复画向日葵，同样的尺寸，最终这些画就能组成七到九幅的集合。
1889年7月，在梵高的素描中明确地表示了这种三幅一联的安排。
梵高在1888年的夏天开始绘画，一直持续了一年。其中一幅作品是想放在他朋友高更的卧室里。这些画作展示了向日葵生命中不同的时期，从生机勃勃到枯萎。这些作品也被看做是对黄色系的使用创新，一部分原因是新颜料的发明使新的颜色成为可能。
在给提奥的一封信中，梵高写到：这是一些改变性质的画，而当你看得越久时，你越能感到热烈的气氛。此外，高更非常喜欢它们。他站在画前对我说“这······是······花”，你知道牡丹属于加尼斯，蜀葵属于宽斯特，但是向日葵是属于我的。
1987年3月31日，当日本安田水上火灾保险公司以3992万美元的高价买下梵高的那幅有15朵向日葵的画作时，就是平时对艺术没兴趣的人也开始注意到梵高这个人了。这一高价在艺术拍卖史上造成了一个记录。几个月之后，这一世界记录就被梵高自己的另一幅作品,《鸢尾花》打破，该幅作品以5390万美元于1987年11月11日在纽约拍卖。
