第一次看到叶鸿平的花鸟作品，是在他的工作室，是画面上一支寒梅，走笔流畅自如，满纸水气氤氲，虚虚实实的用笔强调对象的骨气，每一根线条，每一处墨痕仿佛都是一种自然的水到渠成。后来，陆陆续续读到他的作品，无论是在画廊还是展厅，还是会所的装置，远远地站在远处，一眼就能辨明。能创造出一种独特的个人艺术语汇，是每一位画家都梦寐以求的境界，叶鸿平以其率真旷达的个性和别具一格的视野，不光拥有属于自己的表达语言，还能保持稚子一样的情感，观察，思考和表达，自由畅达，让人动容！他长期研习八大山人、吴昌硕、潘天寿、李苦禅等大师画作，并为之神往。人品、气韵、生动，非一朝一夕可得，全凭甘于寂寞和沉浸其中的点滴积累。他师古而不泥古，通过嬗变形成自己独特的绘画风格。执笔无定法，虚实在心间。正是这些丰富的营养滋育了一位伟大的画家。他以极少的笔墨、独特的艺术语言、人格化的艺术形象和新奇的构图，表达自己的内心主观情感，借物抒情，以实现形式与内容的高度统一。以书入画，以画作书，用笔潇洒，奔放灵动，极富张力，纵横奇逸，有视觉冲击力。妙就妙在“有意无意之中”，在“乱而不乱”之中给人以妙手偶得、趣味盎然的快感，此种“不掩国色”的“原生态”效果，应该就是人们说的“耐看”的原因所在。
王羲之的《兰亭序》就是酒后的即兴创作。叶鸿平喜欢酒后微醺，执笔作画，在情感驱动下，水墨交融，如梦如幻。画中，你可以感受到切切实实的情感世界，那么自由、舒展、酣畅、热情和痛快，出神入化、富有诗意，那是生命的迸发，有限的画面里营造出无限的审美空间，充满鲜活的生命气息，洋溢着清新富丽的现代诗情。在用色上。他太大胆了！“随类赋彩”。冷，就冷得彻骨，热就热得奔放，极度的鲜明和迸发的激情，是他的画最令人称道的地方和最有学术意义的价值所在。
鸿平爱猫。友人白磊，苏大艺术学院陶瓷系教授，喜欢园林，不知是不是循着园林他来到苏州。白磊家中小小的一处庭院，有石，有池，有花木，江南雨多，滋润天地，鱼儿袅袅，花草葱茏，别有味道。泥有脾气，他有心。在白磊眼里，陶器和瓷器本身具有原始生命力，经他的手，让泥土站立了起来，陶瓷艺术是人和泥的对话，是一场轻松的游戏和交流，经由火，织缀着历史、政治、经济、审美心理和哲学思想等时代花纹。高古陶器，陶器立于母系氏族男女分工的社会秩序，魏晋南北朝，陶器“竹林七贤”砖画，是动荡时代文人用恣意放纵来争取心灵的自由。唐三彩，那是对生的留恋和对死的寄托，是大唐盛世，是开放包容。“天青色等烟雨”的宋朝，“重文”，瓷器如同被日常滋养、像爱情一样被滋润。到元青花，瓷胎和釉色大变，民族融合，那是蒙古族对海洋和天空的崇拜。明朝斗彩，鸡缸杯，浸润男女之间超越年龄和阶层的爱情。清代，瓷器缤纷多彩，代表那一时代的审美。从景德镇走出来，白磊明白陶土对于自己的意义，那是一种错综复杂的世界中的安全感。生活中，他并没有严格意义上的“陶瓷以外时间”。站在貌似冰冷的泥土后面，是一个有着足够想象力，和对社会万物充满热忱和期望的灵魂，泥既可以随意地自然，也可以刻意地生动。陶器作品中，我们能明显感受大地的肌理，朴拙，突破与包容，自在和豁达。瓷之大美，温润优雅，亭亭而立。除了展览、讲学，他要么在工作室触摸泥土，然后看着他们浴火重生，僻静的他像是一只安静的瓷器，居于角落，把生活养成一支花放进幽深的瓶中，安静绽放，用尽生活的全部力气保持美的姿态，令人感动。
和叶鸿平绘画一样，白磊的作品是自然而然。没有条条框框，从不矫揉造作，表现出的那种自然、奔放、质朴、真实的风格，是纯正的生活风格。陶器的拙朴本就在于浑然天成，道法自然，寻常之美。那是追求超越之后的寻常，突破之后的回归，沉静朴素，安定人心。跟随天然之道，与火焰的相遇，突破和超越，就像人生的淬炼。拒绝约定俗成的艺术标准，天意、偶然，随兴，似好非好，似有意而又无意，最终呈现陶的原生命力。而瓷器的安静美好，让人感受生活的宁静，生命的感动。
写意写心，笔墨难写是精神，叶先生的笔墨写出自我，照见热情，开朗诚实，大家风范。白磊的陶艺充满了对传统艺术的叛逆、对自由创造的向往，可能是人类原始的本能，是一种对天真和自由的向往，是追求个性的张扬和自我情感的表现。 平白之约，江南怡园，绘画与陶瓷之约，妙也。
远处传来，牡丹亭《寻梦》一折，杜丽娘一句清丽悠远的唱词，“却原来，我一生所爱是天然”。
