意匠037 | 山水氤氲 砚边细碎

意匠037：山水氤氲 砚边细碎

2016年7月30日

题记：作为画者谈及对中国画的感悟可谓“如人饮水，冷暖自知”。

——采访手记

介绍一下自己吧？

赵焜，女，1968年10月生于北京。 1989年毕业于中央美术学院附中，1993年本科毕业于中央美术学院中国画系山水专业，2010研究生年毕业于中国画系山水工作室，硕士学位。北京联合大学艺术学院副教授, 中国民族画院一级画师。

主要展览！

全国大展

1996年  作品《重塑》参加“第二届中国油画双年展”，作品收藏于中国美术家协会。

1997年  作品《一统江山》参加香港“中国艺术大展”，作品收藏于中国美术家协会。

2014年  作品《宣和·2014系列——踏雪寻梅》参加“第十二届全国美展”。

2014年  作品《踏青图》参加“南京国际青年美术双年展”。

2015年  作品《碧溪图》参加“首届全国综合材料绘画双年展”。

其它展览

2005年  “风景式山水画展”全国巡回展。

2006年  北京炎黄艺术馆“破 . 格山水对照展”。

2007年  上海“易﹒常水墨展”。

2008年  上海“新笔墨艺术展”。

2011年  南京凤凰美术馆“境”全国青年山水画家邀请展。

2011年  上海美术馆“海纳百川”山水邀请展。

2012年  英国“伦敦奥运水墨展”。

2012年  中国当代名家九城邀请展。

2013年  上海浦东图书馆“青年书画家”邀请展，作品收藏于浦东图书馆。

2014年  天津“中国青年水墨画家联展”。

2014年  “承﹒变”南京国际艺术周邀请展。

2014年  “一任自然”中国山水画年度邀请展。

2015年  中国国家画院“全国高校教师优秀中国画邀请展”。

2015年  “新加坡建国50周年中国画家邀请展”。

2016年  艺术市场“素心若雪——全国女画家邀请展”。

2016年  艺术市场“冲突并存——全国青年学术提名展”。

论文及作品发表于《美术研究》 《美术》 《美术观察》 《求是》 《人民画报》。出版有《中国当代青年画家——赵焜》 《赵焜水墨》 《溯水蘭山——赵焜山水画集》。

中国画最大的艺术特色是什么呢？

或许我们会有一种共同的感受，在卢浮宫观赏油画，我们会被那强烈的视觉效果吸引，常常会有被震撼的感觉，会心跳，会被紧紧抓住，走出来，那些美不胜收的画面深深的印在我们的脑海里。而在故宫观赏中国画，无论多大的画面，在它面前我们不会心跳，只会平静，不会震撼，只会似过瘾般的陶醉，走出来，我们的内心像被洗过一样清明，安宁……这种感受便是中国画审美的本源特质。

从广泛审美价值的角度来看，“美、丑、激情、冷静、批判、幽默、讽刺、变态、扭曲”等等情感内容存在于世界各地的绘画领域，而唯有“逸”这个字只有在中国画这一体系的字典中才能找到。此字的基本释译是安乐闲适，在中国画中被解释为超凡脱俗，卓而不群。在传统中国画的评价体系中，视“气韵”为首要因素，“自然、逸格、神格”为“气韵”的最高品级。这一点充分印证了中国画的审美追求，以及中国古代天人合一的哲学理念。

您对国画的感悟呢？

很庆幸当初的选择，虽然年少时不解其真意，只是懵懂的喜欢文房四宝，喜欢那相对清幽的作画环境。

之后渐渐觉得中国画和自身的气质是相符的，协调的。

实践研习至今，感悟良多，可谓“如人饮水，冷暖自知”。中国画庞大完备的知识、理论及实践体系对我一生的滋养是温润的，愉悦的、平静的。

国画与书法本质的区别呢？

众所周知中国画与书法有着紧密的联系，它们所用的工具是一样的，这就意味着运用纸笔时有着很大程度的技法共同之处，尤其是元代赵孟頫明确了中国画以“写”代“描”，用书法的笔意描绘形象。故有“书画同源”之说。

但是书法与国画是“同源不同种”，它们的门类属性不同，国画是造型艺术，除了一定的书法功力外，还有诸如造型、色彩、构图、绘画形式等等元素的组合与构成，书法是书写的艺术，其本体内容主要包括笔法、墨法、笔式、构字法等因素，通过这些要素创作出具有独特审美意义的书法作品。

当代国画的现状呢？

当前的中国画坛可谓群芳斗艳。就画种的中间水准进行分析，无疑冲在最前沿的是人物画，紧跟其后是工笔花鸟，山水画则隐在后面，似乎与时代产生了代沟。

而中国画中传统山水画是最能完美的诠释国画核心美学思想的画种。而当代的山水画似乎在渐渐和我们疏远，这种疏远很大程度上源于视觉而非中国画的核心理念，可以说中国画追求心境与意境的表达，这一传统理念是永远要求画家具备开放、尊重个性和挑战封闭与保守的精神。那么作为画者的最终落脚点是画面，当代大量的山水画的确造成了视觉的疲劳。疲劳的原因很多，客观原因之一可以说是在当代的 “图像逻辑”中很多新的技术与丰富的视觉形式抢占了人们的眼球，而人们视觉习惯的更新也从古代的二、三百年缩短到几十年、十几年、直到当代的几年甚至是瞬间，就山水画而言，这种视觉的时尚性并非是这一画种的追求目标，过份追求创新与时尚而忽略其本源特质，多半是得不偿失的，而一味溯源而不知今夕何年，亦是费力不讨好。

当今画家面对的“画外之功”的领域之多无疑超过了古人，这就意味着“专”的程度很难达到古人的程度，所以综合的修养有异于古人，心境更加异于古人。很多朋友都表示古画的视觉魅力未曾有过丝毫的减退，的确，我们在看一幅古代山水画时，其安静的笔意、幽渺的意境、灵逸的书卷气息引领我们游走于山水之中，而画本身又经历了千百年岁月的包浆，呈现在我们面前的是一个让后世画家难以望其项背的完美图像。

怎么理解国画中的“笔墨”呢？

中国画“笔墨”是不分家的，它们有两个层面的内容，其一是技法的锤炼，从生到熟，到掌握其特点，最终达到运用自如、炉火纯青的境地。二是画家的全方位的素养。石涛在其“画语录”中指出：“画受墨，墨受笔，笔受腕，腕受心。”也就是说，墨、笔、腕均是画家整体品质的自然流露。

从笔墨中我们可以领略到很多气息，诸如“苍茫、润泽、厚重、拙朴、老辣、混沌、飘逸、油滑、机巧、甜俗、荒率、木讷”等等。作为画家，“心”的完整修养也在于两方面，一是对客观事物直觉感受的敏锐性，以及对个性的认知，可以释为感性。二是画家的学识、修养、也就是理性的分析、判别的综合能力，即理性。综合二者之后即可构建出一个画家的整体品格。

在一个画家成长的过程中二者相互作用，缺一不可，在二者的循序渐进中艺术境界次第超升，流露于笔端的所有内容即为画者的心源，同时也充分映射出其人格魅力。

如何理解构图中的“虚实相生”呢？

按其字表理解“实”为画面中有造型的地方，“虚”是画面中没有造型的地方。“实与虚”有节奏的构成画面就是“虚实相生”。

深入理解剖析，便可体悟到两个层面的意义：一是中国画构图不是客观讲透视科学的，而是主观的、按照国画特有的逻辑取材于客观事物，空白之处亦非全无内容，而是给画面留有回味的地方，达到“此时无声胜有声”的写意境界。二是“相生”二字的含义。画面中物象与虚白之间相生、物象与物象之间相生、笔与墨之间相生，笔与笔之间相生，墨与墨之间相生等等，换句话说就是这些因素要安排得有虚有实，也就是说“相生虚实”，当然，这一点的内涵已远远超越了构图，已是绘画的整体层面。

既是相生，其终极要求是画面中所有的因素要达到一种既分明又交融的状态，既实又虚，似天地万物平衡共存，氤氲而浑然一体，此为画之最高境界。

中国画的意境怎么理解呢？

“意境”是美学中所研究的重要问题。其中“意”字所涉及到的是主观的范畴，而“境”是指客观存在的物象，是二者相结合所产生的一种艺术境界。就视觉艺术而言，“意境”存在于所有画种甚至包括摄影、建筑、环境艺术、平面设计等等领域，优秀的艺术作品无一不是“物境、人境、情境”的完美结合，并不是中国画的专利。然而由于东西方有着不同的宗教、文化与哲学体系，因此对“意境”的诉求与创造有着不同的审美准则与追求。

中国的哲学思想与审美取向，是继承儒家并受庄学、玄学及禅宗的美学思想影响，“意境”所体现的是情景交融、虚实相生、意象诗意的空间，所追求的是疏旷幽远、平淡天真、灵思妙透、清高超逸的心境。其文化内涵就是澄怀观道，以虚淡空明之身融入大自然中，观其景物，识其气象，神往关照，集宏观与微观一体参悟宇宙万物，达到“天人合一”之境界。

作为画家的艺术实践，做起来便不似语言那么容易到位，在作画时需调动一切诸如造型、笔墨、经营、等等全方位的技术与身心修养的经验，使其自然流渗透于创作的始终。而这只是一种理想状态，是画家们的追求和向往，能够达到此境界者寥寥无几。

關於我们

發現工作＆生活的最佳裝備

FOD工具控｜國內第一家以裝備為報道的自媒體