你知道么，摇滚之神鲍勃迪伦，曾经的“魔岩三杰”、如今你们国民“老公”窦靖童的老爸，哥特男神强尼德普，意想不到的暖男约翰列侬，统统都爱画！

（本文编辑来源于知乎、网易、搜狐。）

国外的音乐歌手会画画的很多，比如石玫瑰的吉他手John Squire的画绝对是专业级的，乐队专辑的封面就出自他手。

国内其实也有一位大神，不光音乐上是神级，画画也颇有天赋，他就是！

——窦唯！

据窦唯的朋友透露，画画并不是窦唯的一时兴起，“窦唯经常以古人作比，古人有琴棋书画，他自己也有音体美文四样。除了大家知道的音乐和体育之外，窦唯在平时也会提笔画画。在非典期间，他更是干脆根据从《水浒传》中得到的些许灵感，以‘不一定’乐队和以前的乐队成员为原型，画下了厚厚一本连环画，取名《三家》。”

据说，窦唯是在1990年开始突然对画画特别感兴趣的。“他并不在乎画画的好坏，主要是喜欢画画的过程。因为他觉得那个过程会让自己特别的安静，整个人完全沉浸在画面里，完全在那张纸上，特别舒服。

窦唯的朋友透露，窦唯最喜欢的就是走到哪儿画到哪儿，“前几年夏天，窦唯去阳朔的时候，有一天下着小雨，是特别柔的那种小雨，他走在柏油马路上，旁边是农田，不远处的天空下映衬着山，他一时兴起，拿起画笔就在雨中开始作画了。”

窦唯还特别喜欢用画描绘自己乐队演出时的景象，在昨日曝光的作品中就有两幅。从画面上看，一组摇滚乐队正在舞台上尽情挥洒激情，而台下的观众也投入欣赏。另外一幅自画像更是惹眼，蓝色是画的基调，画中的窦唯掩在两只话筒后面，低头正沉醉地低唱着。总的看来，窦唯的小画未必惹眼但很精妙。据悉，窦唯将所有的作品都留着，供自己与朋友之间自娱自乐，但绝对不会出售、展览。

那时候的窦唯还是个萌小孩，青春靓丽。。。。

后来因为婚姻失败，加上那张苛（keng)刻(die)的合同不得不转向纯民乐，成了窦大仙。

从画面落款的日期看，应该是1995年之后的时间里画的，比如那副字就写的是千禧年。底下那张画是1997年。

所以这些画不单单是陶冶情操这么简单，更像是一种疗伤。在这里，画面的内容和意义因为作者的特殊处境而发生了变化。

那张设色冰冷的油画（因为在眼睛部分出现了赭石的透明色，扩音器的轮廓和脖子深处都有薄涂的痕迹。）

看不清日期，应该是九九年，描绘演唱会，也许是出于怀念。

这种明显中国意味的油画显示出他对中国文化的理解，这个跟他以后做民乐的概念很相似。

这幅画构图很和谐，中间红色有透视的房子中左下角有只猫，窗外有绿色的风景，对空间的处理也很有想法。能感受到他画这幅画时心情很不错，包括哪些蓝色富有装饰性的型，和他认真点缀的淡红背景。

国画的鉴赏相对油画更严格一些，油画到了后现代，艺术家已经不重要了，但国画已经有很强的传承性，对笔墨的质量要求很高，也更专业，没有训练过想画好几乎不可能。

在这幅国画里能了解到窦唯看过很多国画，左上的悬崖那根线有点意思，整体还算和谐，石头也有点味道，但也有问题。

墨色变化少，行笔有变化但有些业余，桥的处理在现代眼光看来很有节奏感，可国画鲜有这样处理的。

这应该是写生，画面还是很生动的。

书法的东西我懂的少，但如果说感觉，就像是略带豁口的匕首。

窦唯不藏锋，很有节奏感，经常有意识的断开，或改变方向。可能跟他坎坷的音乐道路有关。

写的很生，但有几个字挺有意思。

这幅国画在国画家看来太死了，但窦唯是音乐家。

从音乐家的角度看，那片切分的一丝不苟的田地是对他缜密思维的最好呈现。

编曲的层次，秩序感，各种音色乐器的配合，这种观念在画里也能略见一二。

比如后面那一排一模一样的树。

在画家看来这样的完全的节奏处理很少采用，除非有特殊构成。

但是窦唯这么画，显然是为了凸显音乐的节奏感。

最左面一点略感稀疏的树，然后变小变密集，然后又变厚重，同时长度拉长，最后又增加了厚度。

这是不是像鼓点一样富有节奏感和音色变化呢。

前面草的味道跟后面的点相比明显更整，形状更模糊，这就像是贝斯，大提琴，或者低音鼓一样的感觉。

油画有20世纪初巴黎画派的味道，阴沉，孤独，忧郁，有野兽派的影子，略有装饰意味。

最初的那自画像用了大面积的冷色，甚至连那片红都显的格外的冷。

但从他向下的眼神和扩音器，麦克风的竖直构成看，他是个很自信，甚至很孤傲的人。

如果从学院派或者美术史的角度说他的画肯定是一堆毛病，但如果按艺术的眼光看，这种表现画很有味道，而且窦唯很有天赋，国画，素描，书法样样精通。他做这些肯定不是像做音乐一样有目的性，有方向，更像是一种对生活的享受，对自我的思考，属于修身养性。

一个人在自己专业的领域待久了会很乏力，麻痹，这时候就需要退出来，自省其身，对艺术家来说非常重要。

鲍勃·迪伦

再说鲍勃迪伦，他的音乐本身就很跨界，而且他自己还写诗（居然都获得了2008年的诺贝尔文学奖提名）画个画算什么，而且他的那张涂鸦在我看来非常有灵性，那张风景也可以显示出一个人的天赋。

按画技的标准来说，这幅画画的简直是太烂了，不管从什么角度来说都很烂。但是对于鲍勃·迪伦来说，画面背后的意图和内容才是最重要的。

他72岁才开始正经画画。

这篇文章这样写到：

鲍伯迪伦自幼喜欢涂涂画画。1966年的一场摩托车车祸，让鲍勃·迪伦差不多有两年时间没与公众见面，也让当时养伤在床的他执起了画笔。他的画作开始与其创作的诗歌、散文、音乐互通生气。鲍勃·迪伦曾说，绘画过程于他是种完全不同的创作体验，“我画什么呢？好吧，就从任何我手边的东西开始。我坐到桌边，拿出一支笔，一张纸，画了打字机、一个十字架、一朵玫瑰、铅笔、刀、空空的香烟壳，完全忽略了时间……”在2004年出版的自传《像一块滚石》(Like a Rolling Stone)中，鲍勃·迪伦这样写道，“倒不是因为我自认是大画家，而是我感觉在绘画时，我能赋予周遭的混沌以秩序。”

1994年，鲍勃·迪伦将自己绘制的一批画以《绘制苍白》(Drawn Blank)为名结集出版，这本图册以素描和炭笔画的方式，帮着鲍勃·迪伦记录了其1989至1992年在全球举办“永不停止的巡演”(Never Ending Tour)时的一路邂逅，他用冷寂疏离的笔触画了船只、自行车、火车、旅馆等路中风景，也画了行走在大街上的沉默路人。

“博物馆给了我动力”

鲍勃·迪伦等了多年，终于等到了美术馆的邀约。只是，开姆尼茨画展并未从《绘制苍白》就地取材，而是在展览之前邀他以此为基础，重新创作了一批新作品。“作为一个真正的艺术家，他需要有新的作品诞生。”莫辛格说。颇让人意外的是，鲍勃·迪伦产量惊人，在展前8个月，他共画了320幅水彩画和水粉画，其中140幅被选中展出，许多题材都来自他那次“永不停止的巡演”中的匆匆一瞥。“我想知道为什么莫辛格会对我的画感兴趣。博物馆给了我动力，让我把多年前随手画在纸上的东西重新展示出来。如果没这种兴趣，我不会再去碰那些画过的东西。”在当年的展览说明中，鲍勃·迪伦这样写道。

画展甫一开始，专为这位摇滚巨星而来的歌迷及艺术爱好者，几乎将开姆尼茨艺术博物馆挤塌，也让不少人抱有“人们只是冲着鲍勃·迪伦的名声来看画展”的质疑。虽然这些作品在绘画技巧上火候稍欠，但德国评论界对鲍勃·迪伦的首次画展大多给予了正面肯定。有些批评家甚至拿他与挪威表现主义画家蒙克、法国野兽派创始人马蒂斯以及德国表现主义画家马克司·贝克曼相比较，而他在画作中糅哲学思辨与四处流淌的乡愁为一体的韵味，也被认为与其歌词精神相契合。“即使鲍勃·迪伦从未唱过一个音，从未写过一句歌词，这些画作也依然值得欣赏。”艺术评论家布卡德·穆勒(Burkhard Muller) 在《南德意志报》上这样说。

好头开完后，鲍勃·迪伦的画展次第花开。2010年，他的“巴西系列”(Brazil Series)在丹麦首都哥本哈根展出，次年，鲍勃·迪伦又将自己在日本、中国、越南、韩国等地巡演时绘制的人物、街景、建筑和风景，化作“亚洲系列”(Asia Series)在纽约高古轩画廊展出。只是，这次画展让鲍勃·迪伦面临了来自绘画界最大的一次争议。

一些批评家指称这些作品有部分临摹自现存的历史照片。《纽约时报》当时对这次展览的评论并不像德国媒体那样宽容，至今仍让人感到一片犀利，“颜色模糊混沌，笔触温顺，人物静态似明信片。挂在墙上的这些作品，让人感觉不到一丝生气。”

不管外界评论如何，就像曾用充满抗争性的歌词成为1960年代美国民权运动、美国叙事的一部分一样，鲍勃·迪伦在他的画作中，亦用一种来自边缘旁观的角度，为世界做了另一种感性的注解。

约翰尼·德普

那个最会演戏的画师

基斯理查德

朱利安·施纳贝尔

马龙·白兰度

接下来是我觉得画的最好的一张。

凡妮莎·帕拉迪丝

他女友这张应该是版画，什么有烧的金箔，银箔，画面分割的非常优雅。

虽然分手了。

画的好不好就不说了，你们看。

上文作者：匿名用户

链接：http://www.zhihu.com/question/21701236/answer/19044617

来源：知乎

著作权归作者所有。有删节、增添及校订。增添部分摘自chinanews。

约翰·列侬

那个最会唱歌的画师

在《赫芬顿邮报》的采访电话中，小野洋子轻声说道，“他十分慷慨，就是习惯把自己的艺术创作送给别人。”

是的，这里慷慨大度的“他”就是指约翰·列侬( John Lennon)。他是一位传奇式的人物，是歌手，词曲创作者，音乐人，同时也是艺术家，他给与世界有关和平的幻想。如此一来，听到他说喜欢把自己的画作捐献出去便不足为奇了。小野洋子说，“曾经有一次同律师会面时，我们谈话的时候他一直在涂涂画画。律师们就过来问约翰;‘你在做什么?’那时候约翰画了一幅极为美丽的画。律师问他，‘能把它给我吗?’约翰说，‘当然了’他就是这个样子。”

就像文章前面写到的那样，列侬非常无私，他的很多作品都有幸被收藏，作品遍及世界各地。当然，小野洋子作为列侬艺术作品的联合创作者，同时也是列侬的挚爱，也收藏有列侬诸多珍贵的创作。小野洋子今年82岁高龄，这位跨界艺术家向大众展示了她珍藏的列侬的画作，艺术爱好者们和披头士乐队乐迷们得以欣赏列侬难得一见的作品。作为一名艺术家，列侬是21世纪最有影响力的人物之一。

展览出的画作极为简洁，有些是黑白的，有些彰显色彩的碰撞。这些画作描绘了活在当下的样子，有的平淡无华，有的奇妙多姿，有的作品描绘的是同小野洋子坐在树下的场景，有的作品场景又变化到了云端。素描画作让人联想到昆丁·布雷克(Quentin Blake)和罗纳德·西尔(Ronald Searle)这样的插画师，这些素描，用简简单单弯弯曲曲的线条让图像变得生机勃勃。

对于小野洋子来说，列侬的风格与远在远方的某些事物遥相呼应。洋子说，“他创作的东西我在亚洲绘画中似曾相识。他们创作时绝不修改，一次性完成。修正是非常虚假的行为。想要一次完成作品，你必须技术精湛。列侬就是这样，像一个亚洲风格的画师。”

然而列侬并没有忽视事物之间的关联。他通常用印章来署名创作，而印章这钟私人化的物品在亚洲的毛笔画中广为流行。而列侬的章是红色的，上面写着“似云”或“悦耳声响”。

列侬早在进入音乐界之前就开始了作画，加入披头士之前他在利物浦艺术学院全职工作。在音乐生涯起步后，也任然坚持作画，将诸多事物绘成不朽：例如他和洋子的爱情，为粉丝们亲笔签名的经历等等。众人皆知他曾献给洋子一份结婚礼物，礼物中有视频记录了他们的婚礼和蜜月还有一些精彩的画作。

列侬在晚年时期重返艺术的怀抱，这可能是因为小野洋子成为了一名先锋艺术家而且作品颇丰。然而他们的创作风格大相径庭。洋子解释说：“我们很幸运，因为我既不是个画家，我们也没什么好争论的，我觉得他是独一无二的。”

梦境的力量

小野洋子说，“就作画时间来说，他每幅画大概用时三分钟。他创作速度很快，他画画时总是会说‘洋子，洋子，想看看这幅画吗’我就说‘哇，很不错呢’我还能说什么，真的很棒!但与此同时，我自己也是个艺术家，我知道艺术家们常缺乏安全感。所以就不能说‘这张不行’但实际上他画的都非常有趣。”

对于很多人而言，有机会见到约翰列侬的原作，而且这些作品都有小野洋子的签名，这样的大好机会就好似见到了这两位本尊一般。意料之中的是小野洋子看待这件事则更为平静，她说：“这些都是我的收藏，如果我想把它们展览出来，又有何不可。”

** The end **

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