1.原始艺术：画在壁窟里的动物，史学家说是为了生存，为了记录和对抗那些猎物。
2.古埃及时期：多为人身加动物头的“神”，开始有自我的概念。
3.古希腊、罗马时期：画人一样的“神”，和人类样子性别一样的神。这一时期是绘画史上的鼎盛时期。《断臂的维纳斯》《萨莫色雷斯岛的胜利女神》卢浮宫镇馆三宝之二，都来自于这个时期。这一时期的人物开始灵动。
4.中世纪时期，5-15世纪:基督教发展起来，成为国教。艺术为统治阶级利用和控制。教会认为神应该穿衣服，提倡禁欲，神应该是威严的。艺术作品，一类是穿厚厚铠甲的士兵。另一类是穿厚实衣物，动作僵硬，面无表情，端坐在神坛之上的“神”。这一阶段长达一千年，人们认为这一阶段绘画退至古埃及时期。人物平面单调而僵硬。
5.文艺复兴时期，14-16世纪:人们开始富裕起来，很多人提出复兴古埃及罗马时期的灵动感艺术。变化表现在两方面，一个是开始使用透视法，艺术从平面到三维立体。二是不再局限于神，也开始画人，贵族开始雇佣画家给自己画像。卢浮宫三宝之一的达芬奇《蒙娜丽莎》就来自这个时期。达芬奇《最后的晚餐》，拉斐尔笔下丰满圆润的女人，米开朗琪罗笔下肌肉健壮的男人。文艺复兴是人的自我意识的觉醒，人是宇宙的中心，生命的激情与创造是艺术家要表达的主题。
6.巴洛克、洛可可时期，17-18世纪:这个时期绘画的主题是人的享乐。精致繁复的大蓬蓬裙，穿戴华丽，游山玩水，奢靡骄纵，简单来说，这个时期的作品以满足统治阶级服务的。电影《莎翁情史》是巴洛克风格：夸张，繁复。电影《绝代艳后》是洛可可风格：优雅细腻的各种小碎花。
7.新古典主义，18世纪:画人的战争，代表作《拿破仑》《自由引导人民》。
8.印象派，19世纪后期：照相机的出现，画人像被冷落，于是开始画“物”，出现大量优秀的风景画。影响因素：a.这之前绘画由于工具繁多，多在室内完成，光源来自窗户和蜡烛，绘画轮廓明确，过渡柔和，暗部基本为黑色，整体偏酱油色，而这个时期，开始意识到距离光线已经周边物体色彩反射的影响。b.照相机的出现，大大的冲击了绘画这个行业，继而出现了便于携带外出的管状颜料，画家走出室内，暗部出现各种深色。这时期画家用鲜明色彩和快速直接（之前的过渡柔和）的表现方式，展示光和色的变化。擅长光和影的表现的莫奈凸显出来。
梵高也出现于这个时期，他的作品色彩鲜艳，笔触动感，重要的是，他不在乎物品原本的样子和颜色，他赋予描述对象主观感情，画出心目中的画面。他的画风，和他对画注入的主观思想，这些是绘画史的突破，推进和丰富了绘画史。这是一个拐点，是一个新的绘画方式，这大概是梵高作品的最大的价值。
所以一定程度上来说，梵高是幸运的，恰好出现在照相机出现的阶段，那个时期之前，都是写实的画，后来照相机的出现，极大的冲击了这个行业，富人阶层不再找画家去给自己画人像，之后画家一部分开始转向室外风景画，画风也是大变。另一部分就像梵高一样，开始给物体加入主观思想。
特别是梵高没有受过正统的绘画教育，所以他的画风有一种肆意的自由感，如同没有受到限制的孩子。所以，他出现的时期，真是恰恰好。
9.现代艺术、形式艺术：塞尚“现代艺术之父”，他把绘画从看得懂带入看不懂的阶段。举例说明，客观时期：古典派画的和真实的物体一样，印象派颜色更鲜艳活泼，暗部为某彩色的深色。主观时期：梵高画出心目中此物的样子，塞尚把物品元素打乱变形然后重组。塞尚之后，看不懂的作品陆续出现。马蒂斯，野兽派，借鉴剪纸，装饰。毕加索，立体主义代表，切开元素重组。康定斯基，抽象艺术，简化，组合线条色彩。伊夫克莱因，波普艺术，平涂色彩，没有五颜六色。安迪沃霍，波普艺术，印刷，没有绘画一幅作品。
看不懂的艺术作品，并不需要你去看懂，只需要你去感受就好。比如去到一片树林，有风吹来，叶子哗啦啦响，你抬头看向天空，细细碎碎的阳光洒下，你突然来了某种情绪。而这看不懂的作品，描述的就是这样的一种情绪。颜色，肌理，场景，带给人们的感官震撼，这才是作者要表达的内容。
10.当代艺术。达达艺术的代表人物杜尚，他拿了一个小便池，签上自己的名字，拿出来展示这所谓的作品，一片哗然。他这种带着恶搞和调侃的方式，带来的最直接的问题是“什么是艺术？”，改写了艺术的进程。人们开始认为“咬了一口的苹果”“裸奔”“杂技舞蹈”“某些疯狂的举动”等等都是艺术，艺术不一定是美丽的，艺术更主要的是表达一种精神，一种语言。后期开始出现各种流派“行为艺术”“偶发艺术”“大地艺术”等等等等。
于当事人来说，画画是自身思想的表达和倾泻。于历史来说，留下的都是具有时代特色的，一步步完善，变成一个体系，为后人更好的使用，也便于了解人的从前，了解最初的样子，和如何一点点发展至今的模样。
美术史简略下来就是，动物---神---人物---景物---表达主观精神。
